Una de las manías por las que me pegó este verano era que quería ver a Franc3s, otro grupo que está pegando fuerte en Galicia. No se sabe qué es exactamente lo que les dan de comer últimamente pero no paran de salir grupazos. A los ya clásicos Triángulo de Amor Bizarro hay que sumar Nadadora, Disco Las Palmeras! y ahora Franc3s en formato larga duración. Ya habían sacado anteriormente varios ep.
Tocaron en el Low Cost, pero cosas del destino, llegué tarde. Me dio rabia. Pero vale, no pasa nada, hace poco tocaban en el Lemon Pop de Murcia. Perfecto. Esta vez no falla. Error. Se cayeron del cartel por sufrir una tendinitis el bajista. Así que han pasado dos trenes para verles en directo y nada. Habrá que ver si a la tercera va la vencida como dicen algunos. Y ya que me hubiera encantado traer una crónica de sus conciertos, pues qué menos que hablar de su debut, que ha sido en este 2011.
Si algo bueno tiene toda esta tanda de grupazos gallegos, es que todos están metidos en el rock pero cada uno es diferente del otro. Lo mismo pasa con Franc3s. Este nuevo grupo se caracteriza por su música frenética y su sonido corrosivo. Para amigos del ruido, el caos y las letras surrealistas.
Estos últimos años ha estado cogiendo mucha fuerza el sonido noise, con grupos como No Age, Best Coast o Wavves. Franc3s no practican estrictamente ese sonido ruidoso, pero hacen ruido a su manera. Concretamente con sus guitarrazos ácidos que corroen tus oídos. No son sólo sus guitarras las que hacen ruido, lo son también sus letras; letras viscerales en su más amplio sentido, oscuridad, surrealismo o desengaños amorosos, pero siempre a su manera eso sí.
Llama la atención ver el título de canciones como Me Gustaría Verte Sangrar, Devuélveme Los Estómagos Que Te Regalé, El Placer De La Autocesárea... Temas que se titulan así no pueden esconder música convencional. Y en cierta forma así es, acompaña la forma de cantar de Alberto, ya sea de una forma lasciva o oscura. Todo complementario a su música ruidosa de tugurio, donde no cabe ni un alma y toca sudar. Además el teclado se preocupa de crear un ambiente garagero impecable, consiguiendo un toque rock n rollero de garito, pero de música fresca y frenética a la vez. Mención especial para sus canciones de menos de dos minutos, zarpazos de adrenalina con Absolutamente Modernas o Y Entonces Dejó De Darle Arena Al Monstruo, entre otras
De entre todos los temas mencionados antes, chirría con especial gusto Nosotras Tenemos Fé En El Veneno, la canción que abre el disco y excelente carta de presentación con la que los conocí. Aquí podéis disfrutar y sudar con el disco entero.
Hace 20 años, en 1991, el Atlético de Madrid ganaba su séptima Copa del Rey, Miguel Induráin ganaba su primer tour de Francia, EEUU era gobernado por el padre de George Bush y en España empezaba a subir el paro.
20 años después, algunas cosas han cambiado radicalmente. Otras sin embargo, siguen imperturbables; como la música. Estamos en días de homenajes: el otro día por el aniversario 65 aniversario del nacimiento de Freddie Mercury, hace unos días por la separación de REM. Ayer fue el vigésimo aniversario de la publicación del Nevermind de Nirvana, pero no vamos a hablar de ello porque es un tema muy trillado y ya dedicamos un post a Kurt Cobain en febrero. Además, todo el mundo está hablando ahora mismo de ese golpe en la mesa, así que sería tontería porque todos vamos a decir lo mismo más o menos.
Nosotros vamos a centrarnos en dos discos que salieron también en el año 1991 y que significaron mucho; uno por ser una inesperada despedida y otro por ser un disco de esos indispensables que consolidan a una banda. Además fue en estos días. Concretamente, el 23 de septiembre se cumplieron 20 años de la publicación del Trompe Le Monde, cuarto y último disco de los Pixies. Y el 24 no es sólo el el vigésimo aniversario del Nevermind, también del clásico Blood Sugar Sex Magic de los Red Hot Chili Peppers. Repasemos estos dos álbumes.
Pixies - Trompe Le Monde
A menudo, cuando se habla de Pixies siempre se comenta lo excelencia de su discografía; del camino que marcaron y las puertas que abrieron con tan sólo cuatro discos. Y siempre se encumbra al Doolittle o al Surfer Rosa en su defecto. Bossanova y Trompe Le Monde, los dos siguientes, se suelen nombrar menos, cosa que nunca entenderé. Será que no tienen los grandes hits de sus antecesores. En cualquier caso, hoy toca hablar del Trompe, que ayer fue su aniversario.
Si bien es cierto que su discografía mantiene una altísima calidad, está claro que este último es quizá el menos bueno. Lo que no quita que sea un gran disco. En el Trompe Le Monde demostraron que seguían estando en la cresta de la ola; aunque sólo fuera para unos pocos en aquella época. El éxito que les correspondía -y que se llevaron a los que hoy no homenajeamos- les vino tiempo después.
Dicen que el tiempo pone a cada uno en su lugar; probablemente sea cierto. Este año algunos habrán tenido el placer de disfrutar de la gira de Micah P. Hinson con Tachenko interpretando precisamente este disco. Un gesto que nos ha gustado a todos los acérrimos de Pixies. Es un detalle que hayan querido rescatar este trabajo, que parece caído en el olvido para la mayoría, para que lo disfruten las generaciones post-Pixies y sus contemporáneos, por supuesto.
Después del break que se tomaron en su sonido con el onírico y surrealista Bossanova, volvieron a las guitarras al más puro estilo Doolittle. Además, fue el primer disco donde incluyeron arreglos de teclado.
Demostraron saber aguantar el tirón de lo que llevaban detrás, haciendo gala de su fórmula infalible. Encontramos esa intensidad en la melodía y esos cambios de ritmo en temas como Trompe Le Monde, el apocalipsis de The Sad Punk, Planet Of Sound o Lovely Day; canciones que hablan de OVNIs como Motorway To Roswell; alguna parte hardcoreta donde se vuelven locos como Space; rock de tomo y lomo como en Letter To Memphis o U-Mass; y por supuesto dos joyas como Alec Eiffel y la versión de Jesus And Mary Chain, Head On.
Por aquella ya estaban tonteando con proyectos paralelos, tanto Kim Deal con Breeders como Frank Black en solitario. A esto hay que sumarle los constantes choques entre los dos porque la bajista quería tener más peso en la composición. Al final nada, un fax de Black para todos diciendo que hasta luego. The Navajo Know, la última del Trompe, suena realmente a despedida.
Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magic
Recientemente en boca de todos, por su nuevo trabajo y sus dos futuros conciertos en nuestro país, hacer ahora mismo un repaso de este disco supone un sentimiento de nostalgia. Muchos no vivimos este disco en su época, pero nos flipó mucho después, con esos ritmos funkies, letras descaradas, actitud macarra, la voz visceral y ofensiva de Kiedis y por supuesto la parte instrumental que constituían Frusciante, Flea y Chad. Ya fuera vía Californication u otros discos, la nueva generación fan de RHCP y aduladora de Frusci, quedó(quedamos) encandilada.
Nos situamos a finales de los años 80, donde la banda californiana estaba empezando a tener bastante éxito, vendiendo dos millones de copias de Mothers Milk, pero con todo el auge del grunge y la música alternativa; necesitaban un impulso mayor para llegar a todo el mundo. Tras este trabajo, rompieron su contrato con EMI para fichar por Warner Bros. De multinacional a multinacional; pero esta vez con una diferencia, la producción de Rick Rubin, que les dio total libertad para hacer lo que quisieran. Y así les fue, de haber vendido 2 millones de discos de su último trabajo, pasaron con Blood Sugar Sex Magic a vender 12. Esto les consolidó como una de las bandas de rock más grandes del momento. Además, no había nadie que hiciera música como ellos; cuando esa mezcla de rock y funky; a veces tan corrosivo y otras tan sensible. Pocos tardaron las masas en revolucionarse, como mostró su cifra de ventas. Se conviertieron en estrellas mundiales con capacidad para llenar hasta la bandera cualquier recinto. A esto había que añadirle su actitud en directo; cuatro macarras con tatuajes hasta la coronilla saltando y tocando en pelotas; frente a las camisas de cuadros y las converse del panorama independiente.
El Blood Sugar Sex Magic es uno de esos discos que cumplen todos los patrones para ser un clásico; tiene un buen puñado de hits clásicos y en su conjunto es una muestra de música que ya no se hace, tremendamente hedonista, con un toque originalmente cómico y macarra. Entre esas muestras funkies se escondía la tremenda línea de bajo creada por Flea y un brillante y jovencísimo Frusciante. Estos dos preceptos se han convertieron en marca de la casa y lo comprobamos en temas como If You Have To Ask, la ofensiva Suck My Kiss, la corrosiva The Righteus and The Wicked, riffs a quemarropa como el de My Lovely Man... Escuchar por encima este disco podría parecer un simple disco funky hecho para gente de la calle; pero por encima de ello se escondía la genialidad de un Kiedis que se podía mostrar tan explícito, gritando sobre sexo en Blood Sugar Sex Magic (y con un magistral Frusciante), como sensible y humano en I Could Have Lied. El disco muestra las dos caras de unos tipos de calle; ofensivos y banales, pero también con letras delicadas.
Y punto y aparte por supuesto en clásicos de la música como el himno Give It Away, la sublime Under The Bridge y la preferida del que escribe, Breaking The Girl. Sin palabras.
Portadones. Por cierto, en el 91 también debutaron los Smashing Pumpkins. Vaya año.
Como ya os enterasteis la mayoría ayer, estos son días tristes y a la vez especiales para los fans de REM. Triste por lo que significa que para unos significará que uno de sus grupos preferidos se separe; pero también especial porque te das cuenta de los grandes que han sido y al escuchar sus canciones das gracias de que hayan formado parte de la banda sonora de tu vida.
Personalmente, no he sido un acérrimo del grupo, pero sí uno de esos muchos que los han respetado y que es amigo de todos sus hits y otras no tan hits. Realmente, es cuando recuerdas ahora sus canciones cuando se te ponen los pelos de punta y flipas con los grandes que han sido. Quizá nos había desaparecido esa impresión de grupo grande porque en los últimos tiempos habían pasado más bien desapercibidos. Aunque eso sí, han sabido envejecer sin ir arrastrándose por los escenarios. De hecho el reciente Collapse Into Now que tan buenas vibraciones ha dejado, daba a entender que la banda aún tenía fuelle de sobra. Pero ellos lo han preferido así, sin ningún tipo de disputa, con 15 discos a sus espaldas y 31 años de carrera. Y este Collapse Into Now, que es un disco de despedida perfecta porque muestra el REM más puro de los últimos tiempos.
Los integrantes han coincidido en que ya es hora de dejarlo, que no ha sido fácil, pero que saben cuándo hay que retirarse a tiempo. Me quedo con lo que ha dicho Peter Buck:
"Mike, Michael, Bill, Bertis y yo nos vamos como grandes amigos. Sé que los seguiré viendo en el futuro, de la misma manera que sé que veré a todos los que nos han seguido y nos han apoyado a lo largo de los años. Aunque solo esté en el pasillo de vinilos de tu tienda local de discos, o colgado en la parte trasera de una sala, viendo a un grupo de chavales de 19 años intentando cambiar el mundo". Me ha llamado especialmente la atención esta última línea, quizá donde se ven a ellos mismos hace tres décadas. Da vértigo, viendo quiénes son ahora y lo que representan.
REM fue una de esas bandas que se consideran pioneras del rock alternativo, que empezaron a cambiar el rock desde entonces a esta parte, junto a otros compañeros de época como Sonic Youth, Husker Du o Pixies. Fue durante su evolución en los años 80 donde empezó a gestarse el REM gigantesco que hemos conocido, alejándose del post punk ochentero y dándose a conocer por las radios universitarias de EEUU. Por el camino, hasta llegar a los indispensables Out Of Time y Automatic For The People, dejaron joyas como The Only One I Know, Radio Free Europe, Its The End Of The World As We Know It y canciones simpáticas como Stand (dada a conocer gracias a esa gran serie conocida como Búscate La Vida).
Es a principios de los a finales donde firman con Warner y literalmente parten la pana con esos dos discos que representaban una balanza perfecta entre el pop vitaminado y el rock. Lógicamente, aquí es cuando ascienden a lo más alto y se consolidan como una de las mejores bandas del mundo, admirados por Kurt Cobain, Patti Smith y millones de personas más. Lógico, si nos paramos a pensar en las canciones que se concentran en estos dos discos. Hagamos memoria, desde las máss trillada y de obligatoria referencia como Man On The Moon o Losing My Religion, hasta temas tan solemnes como Drive. En medio, muchas joyas como la alegrérrima Shinny Happy People, la belleza simplificada de Nightswimming o Everybody Hurts, en la que a todos se nos ponen aún los pelos de punta al ver el videoclip.
Atravesando obstáculos como el abandono de Bill Berry, entran a la década de los 2000 con un disco excesivamente tranquilo como es el Reveal. Lo que no quita que dejaran canciones para el recuerdo. Temas de clase media-alta con acordes solemnes como los de She Just Wants To Be, la voz de la madurez con All The Way To Reno y su última gran canción, que inmediatamente ha pasado a ser una de las mejores: Imitation Of Life. Eso sí que fue un golpe de efecto para todos aquellos que se habían olvidado del grupo. Después acontecieron el olvidadizo Around The Sun y los rejuvenecedores Accelerate y Collapse Into Now, donde demostraron que es un grupo mítico y que tenía mucho que decir 30 años después.
Una verdadera pena, más aún leyendo la letra de Imitation Of Life. Sentimientos de nostalgia y alegría a la vez por haberles disfrutado. Se les echará de menos, con el peculiar punteo de Peter Buck y la actitud en directo de Michael Stipe. Comprometido con los temas sociales, además siempre se ha caracterizado por ser muy humano, a pesar de ser una megaestrella. Y si no, visualizad esta entrevista en La2. REM han sido gigantes.
Gracias por vuestra música y por haber puesto banda sonora a nuestras vidas.
Nos encantan los culos inquietos que se meten en múltiples proyectos, casi siempre de calidad. Ahí tenemos al archiconocido Jack White con Dead Wather, Raconteurs o Rome. También tenemos a otros como Josh Homme con Them Crooked Vultures o produciendo discos de Arctic Monkeys. Uno de esos últimos culos inquietos que han saltado a escena ha sido Jamie Smith, quizá lo conozcas como Jamie XX, o simplemente, como uno más de The XX. Últimamente ha estado coqueteando con el dubstep, esa rama de la electrónica que tan fuerte está pegando en Inglaterra.
Por otro lado tenemos, o mejor dicho, teníamos -porque falleció el pasado 27 de mayo-, a Gill Scott-Heron, afroamericano artífice del himno que tanto se escuchó meses atrás, The Television Will Not Be Televised. Se dedicaba al jazz y a la música soul, aunque muchas veces, más que cantar recitaba, por lo que también ha sido considerado más bien como un poeta.
El nexo de unión entre Jamie XX y Scott-Heron llega en 2010, cuando Jaime XX hace un remix de NY Is Killing Me, canción que se encontraba en el I'm New Here, nuevo disco del bluesman 16 años después.
Visto el resultado, Jamie XX decide remixear el disco entero llamándolo We're New Here. Así que a cargo de su producción, logra un gran disco de dubstep, que es el que se salió en el pasado febrero. Gracias a su inquietud, nos ha dejado una de las mejores producciones de dubstep del año, a la altura de la nuevos valores como SBTRKT y muy por encima de otras como Katy B. Gran recuerdo para los amigos del soul, con la voz de Scott-Heron, y regalo sonoro para los amigos de la electrónica y el dubstep.
We're New Here ya promete escuchando la auténtica maravilla que es I'm New Here, una muestra de lo que se puede crear en pleno siglo XXI. Merece la pena sólo por escuchar la lluvia de cristales sonoros que aparece en el minuto 1:24, con esa delicada voz que recuerda irremediablemente a Burial. El disco sigue sumergiéndote en un agujero de tranquilidad y reflexión, acompañándote con temas como Home, My Cloud, The Crutch y I'll Take Care Of U.
Seguramente nadie se esperaba que el resultado hubiera sido tan perfecto, los ritmos dubstep y la genialidad de Jamie XX fusionados con el alma de este poeta quedan que ni pintados. Además, algunos cortes como Running reflejan son la representación más fiel del disco original de Scott-Heron, donde suelta sus puñetazos vocales de una forma pausada pero pesada y contundente. Lo mismo pasa con la versión electrónica, que tiene un ritmo ditigalmente peligroso. Cada vez es más impresionante ver el margen de maniobrabilidad que tiene la música electrónica fusionándola con otros géneros.
Hace unos meses hablábamos que este año se podría escuchar Wild Flag, uno de esos supergrupos que salen de vez en cuando para animar el percal. En ocasiones no es que estas formaciones creen 'masterpieces' -que dirían los anglosajones-, pero ya crean una expectación por la trayectoria de los integrantes. En este sentido, Wild Flag no tiene mucho que ganar porque las integrantes no vienen de bandas de estadio o que hayan sido muy relevantes para la música en general. Pero sí lo fueron para un sector, el sector de los 90 y concretamente el de las riot grrrl. Y por supuesto para cualquier aficionado al rock alternativo noventero. El grupo está formado por Carrie Brownstein y Janet Weiss de Sleater Kinney, Mary Timony de Helium y Rebecca Cole de The Minders. Brillante aroma.
WIld Flag ofrece un producto muy apetecible a nuestros oídos, con raíces que recuerdan a la música que se gestaba hace 15 ó 20 años. Lejos de desinflarse, es un disco trabajado y completo; con la esencia de los grupos de quienes lo forman. A lo largo del álbum encontramos la distorsión de Helium, los teclados y la melodía pop de The Minders y la actitud y energía de Sleater-Kinney.
Ya nos dejaron los dientes largos con el ep de avance que incluía Glass Tambourine y Future Crimes. Ahora que se ha podido escuchar, no queda otra que frotarse las manos y disfrutar. Desde luego, de momento no están teniendo mucho eco, pero lo tendrá porque se lo merecen. Para ser un supergrupo nuevo de gente que viene de diferentes bandas, han logrado un disco coherente, con unos patrones que se mantienen en todo el trabajo y que no se difuminan. Por supuesto, tiene que ver la conexión entre ellas y que sus bandas coexistieron en la misma época. Otro de los secretos es que como ellas mismas han señalado, sentían la necesidad de seguir trabajando y hacer nueva música; unirse para un mismo fin. Se nota esa receptividad, el disco emana buenas vibraciones.
Este debut rebosa vitalidad en temas como Romance o Short Version y descargas eléctricas en la gran mayoría. Se podría representar el disco con un electrograma, pero un electrograma en el que la parte plana es bastante alta. Esa parte plana se puede encontrar en temas más tranquilos como Endless Talk, para a continuación lograr picos como Short Version, Race Horse o Black Tiles. La armonía vocal se mezcla con las guitarras chirriantes, provocando una sensación de estar redescrubiendo los grupos a raíz de los cuales se han formado, o simplemente teletransportarse a un par de décadas atrás. Más que un soplo de aire fresco, es un soplo de aire añejo; pero añejo de calidad. Cuando ellas no cantan, son las guitarras las que toman el protagonismo y las recibimos con los brazos abiertos.
Paro juvenil, desahucios, corrupción en la clase política, paraísos fiscales, especulación inmobiliaria, recortes sociales... Estos y otros motivos son aquellos por los que muchos salimos a la calle el 15 de Mayo, hace justo hoy cuatro meses, en señal de protesta contra este sistema que golpea una y otra vez a los de siempre. Pero con una diferencia, esta vez la sociedad dijo BASTA. Una movilización sin precedentes en la historia democrática de este país, en la que salieron a la calle por igual jóvenes que no se habían movido en la vida, gente cansada de no llegar a fin de mes, otros que viven bien pero que son solidarios y saben que hay que arrimar el hombro, otros que son miembros de sindicatos y partidos políticos pero no lo han manifestado para ayudar a que esto salga adelante y sobre todo, la vieja guardia. ¡Hay la vieja guardia! Aquellos que ya recibieron palos para que nosotros hoy podamos salir a la calle tranquilamente para pedir una sociedad justa.
Este tipo de movimientos sociales siempre empiezan con mucha fuerza, pero poco a poco van perdiendo efectivos porque básicamente, el compromiso es poco y hay que invertir mucho tiempo; sacrificar una parte de la vida personal para evitar que esto se volatilice. Seguir trabajando para que las generaciones venideras tengan un futuro más próspero y por supuesto, nosotros tengamos un gran presente, a pesar de que nos golpeen una y otra vez, ya sea física o mentalmente. Hay que levantarse una y otra vez. Si nadie se mueve por nosotros, nadie lo va a hacer. Cada vez nos hacen más guiños de cara a las elecciones y la situación les preocupa más. Saben que el pueblo se está concienciando, que está despertando de su letargo, algo por lo que se han preocupado de que no ocurriera, a base de giliprogramas y cortinillas de humo. Pero eso se ha acabado, da igual que intenten silenciarnos; la calle está hablando y saben que el chollo se les acaba. Puede que ellos tengan el poder, pero nosotros somos más.
Han pasado ya cuatro meses desde que esto empezó a tomar forma, y desde entonces la mayoría de ciudades siguen organizando asambleas y movilizaciones. Los que no se han movido antes, empiezan a moverse ahora. Por ejemplo, ahí tenemos el caso de los profesores, quizá muchos no salieron antes, pero cuando a uno le tocan el bolsillo, ve que lo que se reivindicaba hace unos meses no era ninguna tontería. Hoy es la educación; mañana quizá la sanidad. En cualquier caso, siempre es importante que para contrarrestar las tergiversaciones mediáticas, para combatir el estrés y el duro trabajo, den un paso adelante personajes públicos que den una bocanada de aire fresco y energía a las calles, como ya hicieran en su momento Lluís Llach, Raimon o Joan Manuel Serrat.
Esta vez, en el plano musical, el que se ha desmarcado ha sido Nacho Vegas, uno de nuestros letristas más prolíficos. Su canción (aquí la letra) no llega a la magnificencia de temas como La Plaza de la Soledad, El Hombre Que Casi Conoció A Michi Panero o sus colaboraciones con Christina Rosenvinge. Pero eso no importa; lo que cuenta es la intención, una letra que no está a la altura de su mejor lírica, pero habla bastante claro, que es de lo que se trata:
...que han cambiado el significado
de algunos verbos como “disfrutar”.
Y en la calle se hace un gran silencio,
pero si escuchas bien oirás un crac.
En toda España solo suena un crac.
En occidente solo se oye un crac....
...Y si esto no es el fin,
Es una bomba y va a estallar...
Desde este humilde santuario donde le rindo tributo a la música, mis más sinceras gracias y ánimos a la gente que salió a la calle hace hoy cuatro meses por devolverle la ilusión a la gente de a pie, por hacernos -y hacerme- creer en una sociedad mejor; a los que ya lucharon antes y aportan su veteranía, y ánimo sobre todo a los que aún se muestran pasivos, sentados delante del televisor. Esto nos afecta a todos, queramos o no.
Somos hijos de la comodidad, pero no seremos padres del conformismo.
Justo después de una semana de reactivar el blog, es la hora ya de volver en serio. Hay un montón de cosas de las que hablar, pero como ya os habréis enterado la mayoría, ayer falleció el francés Mehdi Faveris-Essadi, más conocido en el panorama musical como Dj Mehdi. Día negro para Ed Banger Records y la comunidad electrónica en general. Por eso es justo rendirle un pequeño homenaje. Su muerte ha caído como un jarro de agua fría para todos, tanto fans, como propios compañeros de profesión, que no tardaron ayer en manifestar su tristeza a través de twitter. Hablamos de insignes de la música electrónica como Tiga, Felix Da Housecat o Deadmau5.
De la muerte se va sabiendo cada vez más; ahora parece que estaba celebrando el cumpleaños de Riton (el 50% de su proyecto Carte Blanche) en la terraza de su casa. Parece que el techado se vino abajo y él y otros tres amigos más no pudieron escapar, aunque estos últimos han sobrevivido.
Personalmente, no he sido un gran fan de Dj Mehdi, aunque empecé a interesarme por su música cuando empezó a meterse en ramas más electrónicas, hace unos años. Como aficionado a electrónica, son noticias que chocan y sobre todo, se lamentan. Además porque Mehdi cuidaba ese french touch que últimamente está siendo algo ensombrecido por productos houseros mucho más comerciales en el país vecino.
De origen tunecino, Mehdi Faveris-Essadi nació hace 34 años en Hauts-de-Seine, suburbio de París. Desde bien pequeño empezó a mamar de la música que escuchaban sus padres, gente que partía en los 80 como Prince o Michael Jackson. Fruto de esas influencias y las suyas propias, empezó a producir música, sobre todo hip hop, pero siempre acordándose del sonido funk más clásico, lo que le hizo abanderado del arriba mencionado sonido french touch. Esos inicios estuvieron marcados por trabajos con hiphoperos como 113, Karlito o Ideal Junior.
Al fichar por Ed Banger Records y empezar a explotar su potencial como dj, fue cuando muchos empezamos a conocerle. Aunque había temas que eran eminentemente electrónicos, seguía haciéndole guiños al funk y la música disco. Dentro del sello, rodeado de gente como Justice, Feadz, Mr Oizo o Justice, él representaba el mestizaje musical, pero también el de la sociedad francesa. Además, ha colaborado con otros Cassius, Chromeo o Thomas Bangalter, de Daft Punk.
Desde luego, una tremenda pérdida para el mundo de la electrónica. Además, ahora estaba rodando con su proyecto junto a Riton, denominado Carte Blanche, por nuestro país. Recordemos algunos de sus temas:
Echaremos de menos el buen rollo que desprendían sus temas y ese buen gusto por el sonido funk. Un hueco que quedará siempre entre la familia Ed Banger. Esperemos que se le haga algún tipo de homenaje en la escena.
2011 está siendo un año que se sale de lo previsible: los grandes grupos, los que están de sobra consagrados, no están dando el callo o se les podría exigir mucho más. Pero no está todo perdido, hay jóvenes que se están haciendo un hueco. Quizá aún no se hayan hecho mucho de escuchar, pero lo harán. Seguro.
Una de esas promesas son Pete And The Pirates, la banda procedente de Reading. Debutaron en 2008 con Little Death, un aceptable disco de poprock independiente con algún punto bailable y otro más guitarrero. Pero no pasaba de eso; de disco aceptable, nada que se desmarcara del amplio espectro de debutantes que practican estos patrones. Pero esta vez, en su segundo disco, que salió el pasado mayo, han dado un paso de gigantes con One Thousand Pictures. Este segundo disco es una muestra de cómo desenvolverse en el mundo de la música independiente, creando una sinergia entre el pop y el rock, que acaba por materializarse en un álbum con las dosis necesarias de cada parte. Respecto a Little Death, éste tiene mucho más poso, más energía, más solemnidad. Y tiene menos momentos tan bailables, lo que les libra de etiquetas que los tilden del típico grupo de indie pop bailable. Pedro y sus Piratas han logrado ir más allá y subir varios escalones de una zancada.
En Little Beach ya se veía que tenían madera, sólo tenían que explotar esas cualidades para llegar a un disco tan completo y tan justamente equilibrado. Con Can't Fish, el tema que da el pistoletazo de salida al disco, ya se entrevé esa maduración a un sonido mucho más rico y elaborado. Continúa con Cold Black Kitty, una de las pequeñas joyas que incluye este álbum, donde entran en combinación la intensidad, guitarras despeinadas y un Thomas Sanders que alterna sus vocales navegando entre la nana y la solemnidad.
Esa riqueza del disco que reside en lo variado que es, se demuestra en canciones-transición como Little Gun, Come To Bar o Washing Powder. De esta tridescarga de energía positiva pasamos a la parte torbellino del disco, donde están los arrebatos más potentes. Entre ellos, United, la canción adelanto del disco, que es el mayor vendaval del disco.
Puede parecer complicado levantar el vuelo después de un tema tan potente como este, pero si después viene otro como Shotgun, lento y en aumento, no hay problema. El último tramo del disco es un auténtico gustazo, pues continúa con patrones indies perfectamente llevados a cabo como Motorbike. Y para finalizar, temas como Reprise, que recuerdan a los Pixies en su versión instrumental.
En definitiva, todo un golpe en la mesa, una muestra inapelable de evolución en este nuevo disco de Pete & The Pirates, digno de estar entre los mejores del año. Quizá algún día encabecen el festival de su ciudad.
Después de este break, breve pero necesario, y antes de volver a dar guerra con novedades, tomo un poco de aire colgando el último B-Side vacacional que he hecho en mi radio (una de las razones de este descanso). Como era motivo de despedida, ha sido clásico tras clásico. Lo que se escucha es a partir del tercer tema: Wire - I Should Have Known Better.
La primera que ha sonado ha sido Tunnels de Arcade Fire, seguida de In The Lap Of The Gods... Revisited, de Queen.
Voy a hacer ahora un pareado. Aquí yace el enlace:
B-Side Despedida
Empecé este blog en 2009, al que dejé abandonado hace un tiempo, concretamente desde que escribo en Hipersónica como Ferraia.
He rescatado este espacio para escribir noticias de interés, crónicas y reflexiones personales. Para leer artículos como reseñas, especiales u otros, acude a Hipersónica. Allí puedes leer a gente de bien.
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