El Primavera Sound golpea dos veces

Aún queda medio año para llegar de nuevo a uno de los eventos musicales del año en nuestro país. Dependiendo de los gustos, puede que EL evento. Obviamente, hablamos del Primavera Sound, que cada año configura carteles impresionantes y equilibrados, ya sea con grandes cabezas de cartel, nuevos valores electrónicos, viejas glorias rescatadas, desconocidos que cuando los escuchas uno no sabe por qué no son famosos y grupos patrios a los que a veces no se les presta mucha atención. ¿Uff qué bien suena no? Pues como todos los años. Si bien en su primera tanda ya avisaron con Jeff Mangum (Neutral Milk Hotel), Bjork, Yo La Tengo o Guided By Voices, en estos dos últimos días han vuelto a pegar un golpe en la mesa. Vamos a repasar algunos de los nombres más destacables.

Ayer se anunció la segunda ristra de artistas, muy esperada en todo el espectro de internet. Estos son los que más me han captado la atención:

VERONICA FALLS
Uno de los nombres que estaba cantados que iban a venir. No obstante, siempre está el gusanillo de estar esperando ansioso a que los confirmen. Después del lanzamiento de Found Love In a Graveyard, por fin hemos escuchado su debut en largo este año. Uno de los discos que estará en lo mejor del año seguro. Estos mozuelos londinenses tienen algo, un aire retro con un toque de delicadeza y juventud, fundidos en referencias musicales que apuntan muy alto.

DEATH IN VEGAS
Reúne las características ideales para asistir al Primavera. Pero la verdad, tampoco esperaba que apostaran con ellos. Eso sí, una gran confirmación. Además, tras su nuevo disco -buenísimo- y ver que no venían a España, esto es todo un pelotazo. A veces da la impresión de que el trabajo de Richard Fearless y Tim Holmes no es reconocido. Pero ahí está el festival barcelonés para demostrar que ellos siempre están pendientes. Su paseo entre las tierras de la electrónica, la psicodelia del rock les hacen realmente apetitosos para ver en directo.

SBTRKT
Uno de los nombres que estaba claro que también iban a caer. En cierta medida, el Primavera tiene mucho de Sonar, pues también lleva a artistas de vanguardia y nuevos valores en el campo de la electrónica. SBTRTK ha debutado este año con uno de los discos de dubstep del año, mezclando ritmos tribales y sonidos coloridos a partes iguales. Otra de los indispensables para todo aquél que guste de la electrónica -y los artistas con máscara-.

MUDHONEY
Es una de las confirmaciones que no me esperaba. Pero el Primavera Sound tiene estos detalles de regalarte a viejas glorias porque lo merecen. Será otra de las citas que uno no debería perderse, aunque con la programación tan rica y extensa que se gastan, es difícil que no te pierdas a alguien que querías ver. No obstante, ver Mudhoney no significa ver sólo a una banda que casi ha sido reducida a la categoría de bandas de culto, sino a uno de los grupos pioneros en el movimiento grunge. Bendito regalo.

ARCHERS OF LOAF
Y qué decir de los Archers Of Loaf que no haya dicho ya. Tras su reunión para hacer una gira, si no habían venido a la edición de este año era lógico que cayeran en esta. Es uno de esos grupos secretos que esconden los 90, uno de esos relegados porque en el boom de lo alternativo fueron otros quienes se llevaron el plato gordo. Ahora, han vuelto para demostrar que no tienen nada que envidiar a muchos de esos conocidos y que Eric Bachmann era el líder de un auténtico grupazo. Otro más del corte de los noventa, pero muy bueno.

Los demás son The Drums, los metaleros Goldflesh,  Josh T. Pearson, Olivia Tremor Control, el habitual Steve Albini con sus Shellac, Washed Out y otros que repite como Wilco.

Y no contentos con lo confirmado ayer, se han quedado con más ganas, así que han confirmado hoy a más bandas. Alguna sorpresa, aunque ningún sobresalto. A destacar:

THE XX
Tras dejar buenas sensaciones con su debut, sufrir el abandono de una de sus integrantes y disfrutar del trabajo en solitario de Jamie XX, vuelven al ruedo con nuevo álbum para 2012. El Primavera se los vuelve a asegurar para ver qué se traen esta vez entre manos. A pesar de las sensaciones que transmite su sutil y tranquila música, algunos dicen que en directo son soporíferos. Será una buena ocasión para comprobarlo.


 THE DIRTY THREE
Algunas veces los grupos que acuden al Primavera Sound ya llevan un sello de distinción que los marca como interesantes. Con de The Dirty Three pasa algo así, su música instrumental es una de las cosas que siempre suelen triunfar en Barcelona, sea o no post rock, aunque en este caso también añadan pinceladas de fusión jazzística. Además, estos australianos ya han pasado por festivales tan importantes como el ATP. No necesitan más presentación para saber que hay que verlos.


LISÄBO
Una de las sorpresas del festival, rescatar a estos tipos del País Vasco que crean un verdadero vendaval destructivo en sus directos. Empezaron a tocar a finales de los 90 y hacen un rock noisero que recuerda a otros grupos que le hacen a uno sudar como Fugazi. Un grupo con mucha personalidad, ya que cantan en euskera y además tenían al principio dos baterías. Para que nos vayamos haciendo una idea de que les gusta hacer ruido. Una buena dosis de rock denso.

SPIRITUALIZED
Una de las confirmaciones que más han gustado y otros rescatados de los 90. El proyecto de Jason Pierce tras Spacemen 3 siempre se ha caracterizado por su música de ambientes cargados y espaciales. De ahí el "J. Spaceman". Pero no todo es cósmico en el grupo, también tienen momentos para la música más melancólica.


Y el resto de confirmaciones de hoy, los folkeros Siskiyou, Death Cab For Cutie, Beach House -otros reincidentes- y unos cuantos electrónicos entre los que destacar a Redinho.

Holywater @Club Camelot, rock sin contemplaciones

Muchas veces el aforo de una sala no hace justicia con el grupo que toca esa noche. El sábado pasado tuvimos una prueba de ello. Ante nosotros se presentaba Holywater, una bomba sonora en directo que dejó impresionados a los pocos que asistimos. Así que salíamos a más decibelios por barba. Y decibelios en su más amplia gama, pues sorprendieron y bastante. A pesar de que sean poco conocidos y parezca que sean nuevos, ya tienen cuatro discos y diez años de carrera a sus espaldas. 

Holywater es uno de esos grupos que van directos al grano, sin florituras ni excentricidades; cuatro tipos normales con mucha actitud que nos fusilaron con su música. Además se les veía disfrutar con sus canciones, lo que se transmitía a los asistentes. No eran los típicos tipos quietecitos que tocan mirando hacia abajo y sin moverse un ápice.

La mayor parte del concierto estuvieron repasando los temas de su último trabajo, que data de 2010, The Path To Follow. La encargada de arrancar fue Ruined, un tema que se iba cociendo a fuego lento y después incrementando hasta incendiarse; ideal para empezar un directo. Del mismo palo seguía Tranquility, de su anterior álbum y la siguiente en sonar. Volvieron entonces a The Path To Follow para interpretar Too Many Lies, Try y Confrontation's Done, que evocaba a una melodía de las que se hacían antes en las baladas del rock más vigoroso. Los acordes de la guitarra sincronizados con la batería a bajas revoluciones así lo atestiguaban.

Holywater y su holy sound

A lo largo del concierto, una de las cosas que más sorprendió fue el poderío vocal de su cantante, Ricardo Rodríguez, que a veces parecía que le iban a estallar las venas del cuello de tanto estar al límite. Uno de los momentos más intensos vino a continuación, cuando sonó Save, uno de los cortes de su debut, Handle With Care. En él los punteos hardcoretas se preparaban para el momento de tranquilidad y experimentación existente en la canción. En él, el guitarrista agitaba su arma a modo de Joey Santiago para favorecer la distorsión. Después, se volvíar a agitar la canción mientras Ricardo se desfogaba. Fue obligatorio el cálido aplauso, que además de merecido era una muestra de apoyo por la poca gente que había, los aplausos y los silbidos se estiraban hasta que empezaba la siguiente canción. 

A la gente le estaba gustando el concierto y no era para menos; Holywater tiene una fuerte sección rítmica muy bien trabajada, con el batería aporreando y el bajista, que no contento con tocar tradicionalmente su bajo de cinco cuerdas, lo rasgaba como si de una guitarra se tratara. Las melodías que crean son tan densas como la barba del vocalista o las rastas del bajista, pero listas siempre para un frenético final.
Retornaron a su último disco para casi finiquitarlo con In Your Head y Shame On Us, dos de las más exitosas. Y para cerrar la actuación, hicieron un pequeño repaso a otros álbumes para interpretar la visceral Six-String Throat, la gran intensidad progresiva de Similar -probablemente la mejore del concierto junto con Save- y finalmente Never Be Broken, más decibelios.

Gente humilde y agradecida que conforme vinieron se fueron, sin hacer mucho ruido. De eso ya se ocuparon en el escenario.

Bienvenido Mr. Post Rock

Una de las ramas más jóvenes del rock, el post rock, viene cobrando mucho peso en los últimos 20 años. Y cada vez tiene más adeptos gracias a grupos como Mogwai, Tortoise, Godspeed You! Black Emperor, o más recientemente Explosions In The Sky, que han contribuido a dar a conocer este gran género; esa mezcla entre rock progresivo y dinamita ambiental.

Afortunadamente en España es una rama que está empezando a tocarse cada vez más y no de cualquier forma. Tenemos varios grupos que están empezando a despuntar y cada uno interpreta su post rock desde diferentes perspectivas. Vamos a hablar hoy de cuatro de esos grupos que están apostando fuerte.

AUTUMN COMETS

Uno de los debuts interesantes en nuestro país en 2010, A Perfect Trampoline Jump. Quizá no hayan tenido mucho eco, pero poco a poco se han dado a conocer por el ruedo de festivales y salas de concierto dejando muy buen sabor de boca. Y no sólo por su música, sino por sus potentes directos, los cuales acompañan de proyecciones. Además utilizan un violín eléctrico, como mínimo curioso de ver y escuchar.
Estas cometas otoñales no practican post rock en sí, pero se acercan bastante a él, con ambientes cargados y progresiones ascendentes al final de los temas. Más bien son un híbrido entre el folk y el propio post rock. El resultado tambén es intenso, podemos observar esa progresividad e intensidad en Everybody Knows The American Flag, Welcome Home o The Day After Tomorrow.

  Autumn Comets - Useless by Cuac Musica 

TOUNDRA

Otro ejemplo de cómo se está extendiendo esta atmósfera cargada musicalmente es Toundra, otro grupo joven que está apostando fuerte por el post rock. También son de Madrid, aunque ellos sólo se dedican a la parte instrumental y lo hacen de una forma más contundente.
La conjugación postrockera de Toundra se desvía hacia la parte más hardcoreta del género, consiguiendo como resultado auténticas tormentas sonoras que pueden sorprender en la primera escucha. Y más si uno se entera que son españoles. Suele ser una de las primeras reacciones: ¿ah pero esto es español? Se nota que es un género del que no acostumbramos a tener mucha cosecha, pero la cosa está cambiando. Como recomendar, todo lo que tiene publicado hasta el momento es muy válido, pero siempre resaltarán las tempestades de Magreb, Zanzibar o las guitarras que rugen en Danubio.



EMERGE
Una de las bandas nuevas que este año se ha dado a conocer. De momento ya han pisado Radio 3 para que se vaya trasladando a nuestros oídos. Han presentado su ep, Te Dije Que Algún Día Nos Reiríamos de Esto. En él consiguen desprender mucha emotividad gracias a sus melodías, potentes e intensas pero bellas a la vez, con una sección de cuerda que les da un toque especial. Emerge te preparan el terreno para que después te suelten un golpe brusco, pero con elegancia. El ep consta de una gran pieza dividida en cuatro temas, y cada uno se corresponde con una parte del nombre del ep. Como suele pasar en el post rock, Te Dije y Que Algún Día son el principio, Nos Reiríamos el preludio y De Esto la última carga.
Se puede descargar grauititamente desde su bandcamp.

NEUMAN

Pero no todo es Madrid. El género se está ramificando por varios puntos; y uno de ellos ha ido a desembocar en Murcia. Y de una forma brillante. Con su debut Plastic Heaven quizá son los que más se acercan al más elemental post rock, demostrando su versatilidad, con temas que tienen explosión final y otros más cortos y potentes sin subidas y bajadas. Además no se quedan sólo en lo instrumental, también cantan. Como muestra de lo que pueden hacer, destaca mucho Brighton, tema en el que la mar está calmada y de repente le entra el oleaje, que acaba convirtiéndose en tormenta. También se nutre el álbum de ráfagas más cortas como la de The End o de momentos más grises como Plastic Heaven.
Sorprende ver lo nítido y compacto que suenan en su debut, parecen llevar toda una vida tocando canciones como Never.



Y después de este pequeño avance de lo que se viene haciendo y el futuro próspero que le espera al post rock español, qué menos que una mención especial a

MIGALA
Uno de los primeros grupos que se acercaron a estas revueltas emocionales que produce el post rock. Empezaron a tocar a mediadios de los 90 y se separaron en el 2004. Una verdadera pena porque lo suyo era una auténtica orgía para los sentidos. A pesar de que lo mismo se acercaban bastante al post rock que se quedaban en la experimentación, siempre lograban un sonido profundo que conectaba directamente con tu cabeza. Lecciones De Vuelo Con Mathias Rust lo muestran. O La Canción de Gurb, o Dear Fear, o Noche Desde Un Tren, que esconde en el fondo un pequeño homenaje al Soy Rebelde de Janette ... Migala fue rotando de integrantes, albergando entre sus filas a Nacho Vegas...

Un grupo que se atrevió a experimentar en un género prácticamente virgen en España y que puso las primeras piedras para la posteridad.

No es otra excusa para alabar la voz de Freddie Mercury

La voz de Freddie Mercury siempre se ha caracterizado por ser... No. Esta no es otra excusa o tópico para hablar de la gran voz de Freddie Mercury. Ya se ha dicho mil veces y no hace falta más que escuchar esto para saberlo. Parece que este año está marcado por los vigésimos aniversarios de importantes acontecimientos, ya sea el lanzamiento de discos que significaron mucho, o la muerte de personajes míticos del rock, como es el caso que nos ocupa hoy. Pero como ya he mencionado antes, el objetivo de hoy no es hablar de Mercury, cosa que ya se ha hecho mucho y no voy a inventar nada, así que aprovecho la tesitura, ya que todo el mundo habla ahora de Queen, para clamar al cielo y decir que hay vida más allá del We Are The Champions.

La prueba perfecta de que Queen ha sido un grupo legendario, es bastante sencilla: incluso cualquier mozuelo quinceañero que sólo escuche reggaeton en su móvil los conoce. ¿Conocéis a alguien que no conozca We Will Rock You o We Are The Champions? Yo tampoco. Son canciones que se quedan guardadas en la memoria collectiva. Sobre todo esas, aunque también hay otras explotadas vilmente por la publicidad como Friends Will Be Friends. Es curioso porque quizá son más conocidas -al menos las dos primeras- que Bohemian Rhapsody, la obra cumbre de Queen y una de las mejores canciones de la historia.

Siempre me he preguntado por qué la gente no se atreve a adentrarse en la barrera de los setenta. Conoceran esos clásicos, sí, que son de esa década, pero de ahí no pasan. A veces es gente de tradición poco rockera a la que le gustan esos temas, puede que también por su uso masivo en los medios de comunicación, o a veces gente a la que le va el rock en su más amplia rama, que es lo que no cuadra. Qué mala es la perrería. No es que We Are The Champions o We Will Rock You, merecidos himnos, no merezcan serlo, pero en esa etapa Queen produccían verdaderas estacas de hard rock que se clavaban en los oídos de cualquiera.

La habilidad de Brian May a la guitarra (fabricada por él mismo), el efecto stéreo (influenciado por Hendrix), los pedales que se encargaba de 'trucar' el bajista John Deacon para conseguir nuevos sonidos, o los coros de Roger Taylor y, por supuesto, el registro de Freddie; todo contribuía a un combo inigualable. Entrados los ochenta, para bien o para mal, Queen se amoldó a los tiempos y dejó de parir riffs abrasivos y se alejó de su faceta más hardcoreta, la que menos suele esuchar la gente. Es curioso porque fue en los ochenta donde más vendió, osea que en términos económicos les salió bien la jugada.

En su debut, Queen, mostraba esa parte inconformista con ritmos en los que iban a comerse el mundo. Iban a por ti; y podías dejarte atropellar o entrar en su mundo. Era la actitud que transmitían joyas como Keep Yourself Alive o Great King Rat. Realmente un disco mítico, con temas tan solemnes y tan descaradamente setenteros como Jesus. Además, Freddie utilizaba mucho el piano, algo a lo que se le ha dejado de sacar partido y que reluce intensamente en el final de My Fairy King.



Queen II, la continuación de aquél mítico álbum, seguía albergando sutilezas como la solemnidad de Brian May en Procession o sus punteos y distorsinoes en Father To Son.
En esta etapa de Queen, probablemente la mejor del grupo, eran capaces de mostrar bellezas vocales como la conseguida en The Fairy Feller's Master Stroke o de nuevo la parte más dura como en Ogre Battle. Y la cosa no paraba.




En su siguiente álbum, Sheer Heart Attack, la sección instrumental de Brighton Rock sumada al registro de Mercury volvían a surtir efecto. Cualquier pretexto para lucir la guitarra servía, como en Killer Queen, donde May asoma la cabeza en sutiles arañazos. Flick Of The Wrist, la titánica In The Lap Of The Gods Revisited... no hay excusa para no adentrarse en este torbellino de rock.



Su creatividad no tiene límites y a ritmo de disco por año, en 1975 cae A Night At The Opera. Encontramos más joyas cortas con solos excelentes como Lazin On A Sunday Afternoon, al Freddie más desnudo en Love Of My Life, más ritmos a quemarropa en Sweet Lady y por supuesto, Bohemian Rhapsody, cuyo adjetivos me voy a ahorrar porque a estas alturas no creo que sea necesario describirla.



Para seguir con la tradición, 1976 viene con otro disco bajo el brazo y con uno de sus riffs más célebres acompañados de rebeldía: Tie Your Mother Down. Pero también acompañado de otros temas más reconciliadores y con unas versiones a capella también famosísimas. Obviamente, Somebody To Love. Y más buen sabor de boca en temas como Good Old-Fashioned Lover Boy, con unos coros fuera de serie, una de las características que podían desmarcar a Queen del resto de grupos de la época. Y por supuesto, no faltan los detalles de May, gracias a esa manipulación de su pedal vía John Deacon.



Durante finales de la década siguen dando guitarrazos y vistiendo chupas de cuero aunque en menor medida, después ya Freddie pasó a vestir bigote y llegaron los ochenta. Con ellos se fueron los Queen más hardrockeros, los que más caña metían y los que aún muchos aún no han explorado. De eso trataba la entrada de hoy, de hacer ver que Queen no sólo no se acaba con las que salen en la tele, sino que en los setenta tuvieron su época más prolífica; a disco por año y con auténticas joyas.

Larga vida a la Reina.

Surkin - USA, el niño vuelve a deslumbrar

Su irrupción en 2006 en la escena de electrónica francesa deslumbró a diestro y siniestro. Pocos acostumbran a sorprender tanto con tan sólo 21 años. Este fue el caso de Benoitz Heitz, conocido por todos como Surkin. No tardó en considerársele como un joven prodigio, con apenas veinte años deslumbraba su electrónica descarada, lo mismo se sacaba de la chistera un tema de electrónica bandarra y callejera, que otro con un refinado gusto por el house. Y ahí está una de las grandezas de Surkin, que sabe combinar ambos campos de una forma que es muy difícil que se te haga aburrida. Ha sabido desmarcarse del french touch, lo necesario para seguir dentro de él pero también como para que no suene tan descaradamente a ese sonido típico francés. Tras su debut en largo con Action Replay (2007), ha vuelto a la carga este noviembre con USA.

Para su segundo álbum ha rescatado algunas piezas que ya había editado en alguno de sus anteriores lanzamientos, ya fuera ep o disco. Entre estas se encuentra White Knight Two, tema que vio la luz y que desprende ese gusto y toque especial de house que Surkin sabe imprimir a sus producciones. Deja de relieve su talento cuando se pasea como le apetece por el house de Chicago o por las raíces techno de Detroit. 

Intro, la canción que abre el álbum, tiene esa base techno de Detroit con obligatoria reminiscencia al Clear de Cybotron. Seguimos paseando por la ciudad industrial porque en el siguiente corte nos encontramos con Lose Yourself, un tema que canta nada más y nada menos que Ann Saunderson, la mujer de Kevin Saunderson, historia pura del techno. En él, Surkin vierte de nuevo una espléndida dosis de house que lo convierte en un tema que desprende elegancia y energía. Por otra parte, con sonido más eléctrico y típico del joven francés, encontramos I.N.Y.N. o Fan Out, aunque en menor dosis.
Ese es uno de los cambios respecto a producciones anteriores, la falta de esa contundencia que marcó pepinazos como Radio Fireworks, aunque hay que reconocer que tampoco se puede quejar uno de estas sinergias house y techno -en su vertiente más light- que desembocan en un álbum entretenido, habilidoso y con muy buen gusto. Buen gusto como el que atesoran Ultra Light o la gran sección vocal de Never Let Go. Por momentos, USA lo mismo se convierte en una escena perfecta para una persecución con Axell Folley en Superdetective en Hollywood (Silver Spring Anthem), que en un comprimido afroácido (End Morning).

No sólo brilla por su habilidad para captar la esencia de Chicago y Detroit, sino porque también ha sabido rodearse de secciones vocales que representan una oda a la música de dichos santuarios. Es ideal para escuchar mientras te rodeas de rascacielos en los USA. Si es que puedes.

  Surkin - Lose Yourself by Uwe Uzi

  Surkin - Ultra Light by Rec Room

EMA - Past Life Martyred Saints, el espíritu de las grandes

Este año ha irrumpió en escena una de esas mujeres con personalidad, actitud y buenas ideas. Se trata de Erika M. Anderson, conocida ahora artísticamente como EMA. Esta estadounidense formaba parte de Gowns, grupo del que se ha desembarcado para hacerse un hueco como solista. Y no parece que le vaya a ir nada mal.

Se debut en solitario, que vio la luz en mayo, se llama Past Life Martyred Saints. Un disco interesante que se postula como uno de los debuts del año. En él, la señora Erika recuerda por momentos a Pj Harvey y a una Courtney Love íntima y desgarradora. En esta nueva andadurase deja llevar por caminos de corte más folk , pero a veces respaldados por unos acordes contenidos que amagan tormenta. También se refugia en algún que otro sintetizador para crear un ambiente denso. Esa es una de las constantes del disco; canciones densas que se van trabajando para acabar explotando en algunos momentos. Hay arrebatos verdaderamente desgarradores. Actitud no le falta.

El disco abre con Grey Ship, un tema en el la voz de EMA se presenta como una luz parpadeante pero que poco a poco va cogiendo intensidad, para irradiar al final varios golpes que recuerdan a la Pj Harvey más reivindicativa. Y de nuevo se apaga la luz. Uno de los pilares del disco es esa sensación que se consigue con la habilidad de Erika de mostrar su voz de una forma desnuda, pero envuelta a la vez en un halo de distorsión en California, o de noise y ruido en Milkman. A lo largo de este trabajo utiliza el mismo registro para cantar, aunque lo utiliza de diferente forma, recordando a las mencionadas arriba o a incluso Marianne Faithfull, por ejemplo en Marked. EMA consigue deslumbrar con el folk rock y su forma de cantar.

Es una mujer del rock pero a la vez es muchas; es Patti Smith, es Courtney Love, es Pj Harvey... Es predicadora como Patti al principio de Red Star y es la actitud y el desgarro de Grace Slick al final. Mención aparte se merece Anteroom, donde muestra la perfecta conexión entre su voz con una guitarra domada, que podría ser una explosión grunge de rasgarla de una forma más voraz. Uno de los discos que habrá que tener en cuenta este año.

  EMA - The Grey Ship by souterraintransmissions

The Third Twin regresan en 2012

Después te todos los rumores, fakes y teorías abstractas, parece que se ha calmado un poco el universo The Third Twin. Estos dos chavales, los sobrinos de Homem-Christo, vuelven a la carga el próximo año. Con la actuación en España y sus últimas canciones antes de dicha actuación, se desvaneció todo el amasijo de hordas de fanboys. Y al fin vino la calma para disfrutar tranquilamente de la música, como debe ser al final.

Tras trallazos como Your Brain Is Pure, Until The End o Euphoria, tendremos nuevo material de estos gemelos el año que viene. Se calcula que salga para final del verano que viene, se llamará Revolution y contendrá once cortes. Según ellos mismos afirman, seguirán la estela del french house -como es lógico-, pero esta vez se centrarán más en un toque electro vanguardista.
Por otra parte, este álbum ya será algo más 'serio'. Se grabará en un estudio parisino y atención, se venderá en itunes. Esto significa que ya han pasado a ser un producto normal; dejan de regalar su música. La cuestión que se me plantea es si a raíz de este lanzamiento empezará el hype, ya que aunque se dieron a conocer con los rumores sobre que fueran Daft Punk, se han estado moviendo constantemente por páginas independientes y sin aparecer por medios o festivales.

Quizá han decidido que quieren forrarse. En cualquier caso, están en su derecho. Lo que de momento no aparece son esos mensajes de revolución y cambio, ¿o nos vaticinaban toda la crisis mundial? ¿Se acerca el final en 2012?. En cualquier caso, preferimos centrarnos en la música. Por ahora parece que dejan su lado más underground para empezar a entrar en el gran ruedo. En parte el haberse movido pro círculos no muy masivos les ofrece el no tener presión, lo contrario que les podría haber pasado a sus compatriotas Justice. Aquí queda el anticipo de lo que traerán en 2012.

Balam Acab - Wander/Wonder, naturaleza maya

En el año 2006 salió a la palestra Burial con su debut y demostrar lo elegante, emocional y a la vez oscuro que puede llegar a ser la electrónica. De ese tiempo a esta parte, ha llovido mucho en el submundo de este género, con artistas más deslumbrantes, otros de dubstep macarra, witch house o el nuevo material de Burial. Y también lo que escuchamos hoy, el debut en largo de Balam Acab, un tipo que es quizá el que más ha sabido captar la influencia del mágico londinense. Se le acerca mucho en el dominio de la parte vocal y aunque su música es menos oscura y más cercana al downtempo, Tigre De La Noche (personaje de la mitología maya) parece la reencarnación de Burial.

Balam Acab, bautizado por sus padres como Alec Koone, ya dejó muy buenas señales con su ep de 2010, See Birds. Ahora, con su debut en largo, Wander/Wonder, demuestra haber concentrado las fórmulas más preciosas y orgánicas de la nueva electrónica que se viene practicando desde hace unos años, en sólo ocho cortes. Y por supuesto, que aspira a lo más alto en el panorama electrónico a nivel de experimentación. Es un disco corto que se hace corto. Mejor así, sin que haya oportunidad para el farragosismo.

En su primer elepé, se aleja algo del downtempo, aunque sigue instalado en él, para crear piezas más dinámicas, con algunos giros inesperados en las canciones que antes no había. También toma más peso la parte vocal, que es lo que más recuerda a Burial, junto a esos ambientes tan extrasensoriales. Quizá la mayor perla que hay en el disco sea la que abre, Welcome. El tema pasa de una atmósfera fantasmagórica y desoladora a un clima que irradia vida y armonía. Es una de las constantes de esta nueva electrónica experimental, ya sea dubstep, downtempo, witch house o cualquier otro género, el crear percepciones sensoriales tan vivas. Esa vitalidad y energía la encontramos en Apart o Motion. No falta tampoco esa voz etérea de Expect, que parece la antítesis vocal a la de las brujas del witch house.
Wander/Wonder es un álbum para escuchar tranquilamente, para esuchar en momentos de relajación en los que poder degustar sus texturas, sus sonidos orgánicos y ese toque acuático, tan presente a lo largo de las ocho canciones. Crece con cada escucha, donde uno va redescubriendo nuevos matices y detalles.

En definitiva, uno de los discos electrónicos más interesantes de este año; la consolidación de uno de los jóvenes valores que están construyendo una escalera mediante la cual la electrónica está llegando a nuevos horizontes.

Balam Acab: "Motion" by alteredzones

Balam Acab - Apart by Ernestime

Björn Olsson, langostas y guitarras

Nunca entenderé a la gente que no le gusta el tiempo nublado y gris. Es el mejor tiempo para disfrutar de la música, y sobre todo de la instrumental. Aunque cada uno disfruta sus momentos como le da la real gana, este maravilloso tiempo climático exige que salgas a la terraza o el balcón, o a la porchada de tu bungalow, con los auriculares a tope para disfrutar del arte sonoro. Uno de estos momentos siempre es bueno compartirlo con el tipo del que hablamos hoy, Björn Olsson.
No, no es un tenista, ni un alto ejecutivo nórdico, ni la tercera gemela Olsen; es un compositor sueco. Además ha colaborado con compatriotas como The Soundtrack Of Our Lives o Mando Diao.

La composición que se puede escuchar en su música tiene un acentuado tono guitarrero, que es por eso que hay que escucharle. Sus piezas no son tan complejas como las que pueda hacer Mike Oldfield, pero un tipo al que agrada albergar en tus oídos. Sobre todo por sus canciones tranquilas en las que va añadiendo cada vez más capas de guitarra. Su música tiene un toque Mediterráneo, con vientos frescos que evocan al mar. Olsson debe haberse inspirado en las costas que rodean su país. Además de su gusto por los crustáceos, como se puede observar en las portadas de sus discos.

Uno de esos toques mediterráneos vienen cuando uno escucha sus temas de guitarra española. Y no digamos ya si además utiliza silbidos como si estuviera atrapado en Verano Azul, como ocurre en Tjorn. Faltan las bicicletas.
Aunque sus obras tienen ese toque de relax y ambiente sergioleonesco, ideal para escuchar en el Salon y pedirse una zarzaparrilla, nos quedamos con los discos en los que se dedica exclusivametne a abusar de ese maravilloso instrumento de seis cuerdas.
Para ello es necesario escuchar discos como The Crab o The Lobster. Pero sobre todo el primero, donde escuchamos ráfagas cortas pero que suenan especiales como Track 2, Track 4 o Track 12. Así es como se titulan las canciones. Parece que es cosa de guitarristas el pasarse por el forro el título de un tema, como también hace el amigo Frusciante. Claro que para nosotros mejor eso que tener que pronunciar las canciones de The Lobster (Ännu en lat i H moll, Lat i F# -moll).

En resumen, las producciones de Björn son ideales para escuchar en estos días grises, en los que el sol no molesta. Su música hace de caracola, te arrima el mar Báltico a tus oidos con sus pequeñas ráfagas guitarrísticas. Incrústate los auriculares y disfruta.

Zomby - Dedication; lo bueno, si breve, dos veces bueno

Quizá muchos nos hemos preguntado alguna vez si es cierto aquello de "lo bueno, si breve, dos veces bueno". A priori a uno no se le pueden ocurrir muchos casos en los que se cumpla esta ecuación; hasta que se topa con el Dedication de de Zomby. Es un disco con el que ya me había deleitado, pero ya que el 28 de noviembre este inglés sacará otro ep, Tonight, mejor hablar de él para demostrar por qué hay que apuntar la fecha en rojo.

Como viene siendo habitual en los últimos años, no paran de salir artistas dubstep de Reino Unido. En el caso de Zomby, él vino al mundo en 2008, acogido por el sello emblema Hyperdub. Por aquél entonces, en su ep debut (Zomby), conjugaba su dubstep con unos sonidos de 8-bits -dignos de arcaicos videojuegos- y algún vocal que recordaba a Aphex Twin. Poco después lanzaría su primer larga duración Where We U In '92?, un disco con unas raíces eminentemente ácidas y raveras -de ahí el título del trabajo- pero amoldadas a los tiempos actuales y al dubstep. Un tipo majete Zomby, que en ese disco metió un tema dedicado al Street Fighter II, sampleando a Guile.

Y después de esta breve contextualización, llegamos a 2011, donde después de su paso por Hyperdub y Werk Discs ha llegado este año al sacro sello 4AD (Atlas Sound, Blonde Redhead, Mountain Goats...). En él ha pasado de su registro más dubstep para explorar nuevas posibilidades. El resultado; muy bueno, pero nos deja con ganas demás. Y es que la mitad de los cortes del disco no llegan a dos minutos. Algunos incluso no pasan del minuto. Lo suficiente para poder degustar que la miel que te deja en los labios. La verdad, podría haberse esmerado un poco más en estirar ciertos temas, que parecen como proyectos a medias. A lo largo del disco atraviesa desde el dubstep más estándar con Vortex hasta joyas sintéticas como Black Orchid. Todo ello sin olvidar una de las bellezas del disco, como es Natalia's Song, una de las pocas ocasiones de esuchar algo vocal.

Dedication, que por cierto está dedicado a su fallecido padre, incluye esa parte de música gris que escuchar en un cementerio, como en las idas y venidas de ríos sonoros de Things Fall Apart. Continúan esas gotas digitales, cercanas a los 8 bits, en delicadas melodías oníricas como Digital Rain o Mozaik. Lo decíamos más arriba, "lo bueno si breve, dos veces bueno". El disco está repleto de regalos sonoros que poseen el calmado ambiente de Burial en Witch Hunt, o los ritmos más Aphex Twin en Florence, tema que dicho sea, recuerda a Nannou.
Respecto a los temas que duran menos de un minuto, una pena que no se les haya explotado; podría haber seguido el baile étnico de la bahía de Salamander; la paleta de colores de Lucifer o el estallido después del preludio de Vanquish. Consigue que le odiemos por no hacer un disco más largo, buena señal.

Pero ciertamente, aún es joven, o al menos eso suponemos tras ver su foto, pues no hay mucha información sobre él. Lo que queda fuera de toda duda es el potencial que demuestra en sus producciones. Ansioso estoy de escuchar nuevo material de este nuevo socio del dubstep, gustoso de experimentar más allá de las curvas bruscas de otros compatriotas. Por cierto, su nuevo ep, parece que volverá por los fueros acidoraveros.

Zomby - Natalia's Song by marsbars

El simpático Zomby nos enseña su capucha

Polock + The Asimovs @Club Camelot, noche de baile

Continúa el ruedo musical de Camelot y el pasado sábado tocó el turno de uno de los grupos jóvenes que más vienen despuntando últimamente, los valencianos Polock, el grupo por el que se movilizó la gran parte del público asistente. Pero antes de su directo, era la hora de ver a los teloneros, que en un principio iban a ser los ilicitanos Aardvark Asteroid, pero dada su baja, ésta fue cubierta por The Asimovs.

THE ASIMOVS

Los teloneros suelen tener una difícil papeleta; entretener a un público que no ha venido a verles. En ocasiones no lo consiguen y siguen tocando mientras la gente se dedica a hablar entre ella y consumir cerveza cual hooligan. Pero afortunadamente, para público y grupo, este no fue el caso. El grupo en honor a Isaac Asimov se mostró como una banda con una marcada tendencia hacia el pop rock independiente con su correspondiente gusto por el sintetizador. Quizá en otra tesitura los asistentes hubieran estado todo el rato bailando, pero se les prestó interés y acabaron gustando. También ayudó la puesta en escena del excéntrico cantante, que empezó vestido de marinero y acabó descamisado. Además, bailaba de una forma espasmódica a caballo entre Ian Curtis y Brett Anderson. Lo que se dice un tipo con carisma.

Aunque la idea del grupo esté bastante trillada, aún funcina y hubo momentos en los que sonaban realmente bien, con un bajo que tenía más protagonismo del que suele tener habitualmente, buenos riffs de guitarra y un batería que golpeaba bien fuerte. Empezaron algo sosetes pero fueron sacando cada vez lo mejor de su repertorio, con temas pegadizos y con más cuerpo como Photograph. Tenían temas bastante dinámicos con riffs que bien limados pueden tener bastante efectividad, como el caso de Painkiller. También sonaron otras canciones como Animal Nation o Intruders. Al final acabó el concierto con el vocalista, que es inglés, fuera del escenario. Muy buen preludio, gustaron más de lo esperado.

POLOCK

Y por fin llegó la hora que la mayoría de los asistentes estaban esperando; la hora de ver a Polock, ese grupo valenciano que debutó el año pasado con Getting Down From The Trees y que poco a poco están cogiendo más aire. De hecho, antes de pisar Elche ya han estado fuera de nuestras fronteras, ya sea Inglaterra o Japón entre otros.
A caballo entre Phoenix y algún guitarrazo strokiano, Polock proponen un colorido pop con una apuesta por el teclado y un apoyo de percusión para la batería, lo que propicia más todavía el baile. Fue unas de las constantes del concierto precisamente, conforme más avanzaba el concierto más se iba animando el personal. Al final el propio público fue acercándose a la primera fila para avasallar el escenario con los valencianos encima.

Polock no van a redescubrir a estas alturas el pop rock español, pero sí es cierto que tiene un toque diferente y no es sólo el cantar en inglés, que ya puestos les abre la puerta internacional y les distingue de la mayor parte de grupos patrios, es lo sólidos que suenan en su disco de debut del pasado 2010. En él practican ese toque de pop delicado y elegante pero con buenos punteos guitarreros de vez en cuando, apoyados en el teclado, tan necesario y presente en la actualidad. Tienen las cualidades necesarias para despuntar más dentro de poco y consolidarse más férreamente en el panorama español e incluso no tan español. A destacar, la coordinación rítmica entre guitarras, bajo y la batería acompañada de la percusión que golpeaba el teclista.
Estuvieron repasando su único disco por el momento y entre otras sonaron temas como Not So Well, Sometimes, Night Shot... Para rematar el directo, bis incluido, sonó su hit, el que la mayoría de los fans esperaban, Fireworks. También algún tema en el que reinó el buen rollo y el baile como Tangerines & Unicorns.

Dejaron buen sabor de boca Polock, aunque uno de los puntos débiles del grupo es lo poco variado de su disco, y por ende, del directo. Que no quiere decir que sea malo, pero tocar todo el rato temas que suenan parecidos entre sí puede resultar algo monótono, aunque se entienda si es la 'idea' de un álbum. No obstante, aún tienen mucho margen de mejora territorio que recorrer. Sólo se trata de evolucionar.

Let's Wrestle - Nursing Home, un disco para estar por casa

No son obras maestras; ni siquiera pequeñas joyas; pero son los discos que te salvan una tarde. Son álbumes de esos que vulgarmente se dice que 'están bien'. Uno de esos trabajos, que no destacan de sobremanera pero que tienen una escucha muy aceptable, es el segundo trabajo del trío londinense Let's Wrestle, Nursing Home. El disco está escudado por el sello Merge Records (Arcade Fire, Caribou, Neutral Milk Hotel, Dinosaur Jr...) y además ha pasado el filtro de uno de esos productores que suelen sacar bastante petróleo en lo que tocan: Steve Albini (Pixies, Nirvana, Manic Street Preachers, Pj Harvey...).

En la dura lucha por darse a conocer, si es que ese es su objetivo, a los grupos siempre les queda el que se estén dedicando a lo que más les gusta. A pesar de que el debut de estos amigos de Londres fue en 2009, aún es verdaderamente pronto para llegar más lejos. De momento pueden seguir tranquilamente en Merge con su música fresca.
Let's Wrestle desprenden aura de buen rollo, con su rock independiente de ráfagas rápidas típicas de Futureheads, pero con un gustillo por los punteos y distorsiones propias de grupos más 'serios'. Lo dicho, un disco hecho para disfrutar de una tarde, que se lo escucha uno de un tirón sin darse cuenta.

El disco empieza con In Dreams Part II, con una doble parte vocal y leves punteos que rompen con la linealidad de la guitarra. Resultado, canción simpática como la que le sigue If I Keep On Loving You. El problema del disco es que aunque contenga mucha vitalidad, puede utiliza todo el rato la misma fórmula. Aunque es en el segundo tramo donde encontramos que los patrones varían algo más, de lo contrario, podría ser demasiado monótono y falto de interés.
Esas canciones que dan un respiro de aire son algunas como I'm So Lazy, I Forgot, Getting Rest...
En definitiva, uno de esos discos que le hacen a uno pasar unos buenos minutos. No necesita ninguna escucha especial súper concentrado a ver qué detalles capta. Lo que se escucha es lo que hay; música energética, a veces frenética, como en There's Rockstar In My Room o la weezeriana I Will Not Give In. Pero también hay detalles más intimistas como el cierre con Getting Rest, donde efectivamente, los oídos descansan después de tanto movimiento.

Disco ideal para ponerse de fondo en los quehaceres de la vida.

Let's Wrestle - For My Mother by MergeRecords